Cuánta verdad en la voz…

 

A Coruña,15 de septiembre de 2024, Teatro Rosalía Castro. Javier Franco, barítono; José Ramón Martín, piano. Concierto de la Programación Lírica A Coruña conmemorativo del 25º aniversario de actividad operística de Javier Franco, dentro de su ciclo ‘As nosas voces’

Programa, Primera parte: Francesco Paolo Tosti, Malia, L’alba separa dalla luce l’ombra; Gioachino Rossini, Il Barbieri di Siviglia, cavatina de Figaro, ’ Largo al factotum ‘; Giuseppe Verdi, La forza del destino, introducción ‘La vita ‘e inferno all’infelice’ (piano solo); O Carlo, escolta; Giacomo Puccini, Manon Lescaut, Íntermezzo; G. Verdi, Rigoletto, ‘Cortigianii, vil raza; Umberto Giordano, Andrea Chenier, ‘Nemico della Patria’.

Segunda parte: Richard Strauss, Allerseelen, Morgen y Zueignung; Astor Piazzolla, Verano porteño (piano solo); Maria Grever, Te quiero, dijiste (Muñequita linda); Juan Durán, Guiomar; Eduardo López-Chávarri, Cuentos y fantasías (nº 5, El viejo castillo moro; Pablo Sorozábal, Katiuska, ‘Calor de nido; Reveriano Soutullo y Juan Vert, La del soto del parral, ‘Ya mis horas felices’.    

…de Javier Franco

Por la cercanía y sinceridad en su exposición de su historia profesional desde sus difíciles inicios hasta nuestros días, cuando es nombre habitual en los carteles de grandes teatros líricos internacionales en España, Europa o Japón. Javier Franco fue intercalando intervenciones habladas entre las obras del programa, como un reflejo bien ordenado de su carrera en estos veinticinco años.

Durante este cuarto de siglo, Franco ha recorrido prácticamente todo el repertorio lírico para barítono y ha merecido el galardón de los más prestigiosos concursos de canto, como el Ricardo Viñas, de Barcelona, el Rocca delle Macie ,de Siena o el Francisco Alonso, de Madrid. Esto sin contar, claro,con  los más modestos de sus primeros años; aquellos que, como contó desde el escenario, le daban al menos para ir viviendo.

Javier Franco

Fue un concierto sabiamente programado ya desde ese perfecto “calentamiento en forma de hermosísimas canciones” que suponen las de Tosti. Los sentimientos contenidos en estas fueron transmitidos idóneamente por el barítono coruñés. Un gran preludio de otros más hondos que habría de proyectar de forma creciente sobre el ámbito del Rosalía en las arias de ópera italiana, especialmente en Cortigiani y, muy especialmente, en Nemico della Patria, que hizo del Rosalía un volcán en preerupción. 

Los tres lieder de R. Strauss con que comenzó la segunda parte fueron homenaje a una época ya pasada; quizás algo se pudo notar esto, pero el buen gusto y la emoción con que los cantó hizo que el cantante volara bien por encima de tal barrera, como pudo apreciar quien de verdad supiera escuchar y sentir que esos dos factores, gusto y emoción son precisamente la esencia de la interpretación. Y es que la música sabe bien el reparto de cada uno de sus factores: la técnica para el estudio; para el escenario, la emoción.

Javier Franco y José Antonio Martín | Alfonso Rego / AA.O.C

La popularísima Muñequita linda, objeto de una jugosísima anécdota familiar de 1994, dio paso a Guiomar, representación única de la canción gallega de concierto y obra de Juan Duran, presente en el teatro. Buena introducción a la sección final del recital compuesta por romanzas de zarzuela, género en el que Franco es parte obligada en cualquier reparto que se precie, como demuestra su presencia habitual en los del Teatro de la Zarzuela. La voz de Franco, con unos agudos más que notables por timbre y proyección, prácticamente no deja traslucir el paso de estos cinco lustros. Su sensibilidad, buen gusto, fidelidad al estilo y entrega redondean su actuación.

José Antonio Martín fue a lo largo de la noche más compañero que acompañante, con una capacidad de improvisación realmente notable en algunos temas. En los que tocó como solista, destacó su solidez, adecuación estilística, buen decir y capacidad de transmisión.

Las ovaciones del público, un emotivo crescendo de principio a fin del concierto, obligaron a ambos a regalarle dos propinas: una interpretación de El Vito, probablemente en la versión de Fernnando Obradors, que al otro lado del charco sería calificada de realmente desopilante por su lozana frescura, e Ideale de Tosti, con un piano de Martín sorprendente por el carácter (que ahora se llamaría “latino”) que imprimió a su acompañamiento.

 

Coherencia, divino tesoro…

 

A Coruña, Palacio de la Ópera, 8 de septiembre, La bohème, de Giaccomo Puccini, con libreto de Luigi Illica y Giuseppe Giacosa (Estreno, Teatro Regio de Turín,01.02.1896, diector, Arturo Toscanin). Reparto: Rodolfo, Celso Albelo, tenor; Mimí Miren Urbieta-Vega, soprano; Marcello, Massimo Cavalletti, Barítono; Musetta, Helena Abad, soprano; Schaunard, ManuelMas, barítono; Colline, Simón Orfilla, bajo-barítono; Benoît-Alcindoro; Matteo Peirone, barítono; Parpignol, Pablo Carballido del Camino, tenor; Sargento, Jacobo Rubianes, Barítono; Doganiere, Alfonso Castro, barítono. Orquesta Sinfónica de Galicia; Coro Gaos; Coro Infantil Cantabile; Banda interna, Orquesta Gaos. Dirección musical, José Miguel Pérez-Sierra; Dirección escénica y escenografía, Danilo Coppola; Iluminación, Lisa Leone; Vestuario, no consta en el programa de mano; Regidor, Jaime Rodríguez; Aydte regiduría, Paula Cobián; Producción del Luglio Musical Trepanese.

 

Como ya sabemos -o a estas alturas, al menos, ya deberíamos saberlo – hubo una época hace años -ya unos cuantos- en la que la ópera fue una dictadura de los directores musicales y antes, mucho antes, la de los cantantes divos y divas o con pretensiones de serlo. Actualmente nos encontramos en lo que podríamos llamar la era de la dictadura de los directores de escena (o dictablanda, según poderío e influencia), coexistente y/o connivente con la de las agencias artísticas: esas que dificultan hasta casi impedir la presencia de nuestros cantantes líricos en los escenarios españoles. Suele ser excepción habitual la de esta Temporada Lírica de A Coruña, que en esta producción de La bohème presenta nada menos que un 70 % de cantantes españoles entre solistas y comprimarios.

Pues bien, dentro de las tendencias existentes entre la actual “nomenklatura” de los directores-de-escena-escenógrafos-etc.,, hay una de un pretendido realismo, que se proyecta bien en la escenografía, en el vestuario, en la dirección actoral o en algunos de estos elementos de las producciones operísticas.

…que marchas para no volver

Hay en la producción de esta Bohème un cierto realismo en el vestuario que no termina de casar con la escenografía. El elemento central -muy central y mucho central, que diría aquel- es una gran cúpula acristalada que, movida a lomos de figurantes, acoge, separa o incluso aísla a protagonistas, comprimarios y grupos según momentos de la acción. Bien intentando una clarificación de ambientes y espacios, bien pretendiendo un cierto simbolismo que brota de la dramaturgia de la obra.

La compañía ante el tocho central. (Foto Alfonso Rego)

Pues no, mire usted; no. La clarificación de espacios deviene en apelotonamiento de grupos -algo casi imposible de evitar cuando el elemento principal de la escenografía es tal y tan graaaande tocho central- y el pretendido simbolismo brilla por su ausencia.

Esto es especialmente cierto en el momento cumbre de la obra, la muerte de Mimí. Espero no destripar el final a nadie con estas palabras, “muerte de Mimí”; al fin y al cabo, mientras empiezo a redactar esta crítica algo descreída de sí misma se está desarrollando la segunda función. Y, qué caramba, oiga: que La bohème es una de las óperas favoritas del público de A Coruña y de las más repetidas en esta ciudad y ya sabemos lo que pasa y cómo acaba ¿no?

Urbieta-Vega y Albelo en el lecho de muerte (Foto Alfonso Rego)

Pues eso.Que, en unas declaraciones previas al estreno, Danilo Coppola definía el tocho central como «Una bola de vidrio, un microcosmos de juventud y fragilidad que se va agrietando con la nieve del tercer acto hasta romperse con la muerte de Mimí, símbolo del fin de la juventud». Pues, al menos en la primera función (domingo 8) la bola no se rompió, lo que permite pensar que esa frase podría ser justo eso: una bola de don Danilo, vamos.

O quién sabe: quizás pasó como en algunas funciones aficionadas del Tenorio en las que un actor no logra sacar su espada y se le encasquilla la pistola (visto en este mismo escenario por el que suscribe años ha). O como en aquella legendaria en la que acaba matando de una patada en mal sitio a su rival, quien moría diciendo “¡maldición, la bota estaba envenenada!”. Un verdadero monumento a la morcilla, tan teatral y española ella.

Me quedo en cualquier caso con aquella producción propia de Amigos de la Ópera que gozamos hace ya años en dos temporadas distintas. ¿Será cosa de la edad o tal vez añoro esa coherencia que se marchó para no volver? A saber.

Cantantes actuando – actores cantando

Partiendo de la premisa de que la ópera es teatro cantado, aunque hay quien piensa que es canto teatralizado, el movimiento de grupos fue el único posible: girando perimetralmente alrededor (sustantivo?) del antedicho tocho. A destacar el hecho de que el Coro Infantil Cantabile, dirigido por Pablo Carballido, cantó agrupándose ¡y moviéndose! alrededor del personaje de Parpignol, más que dignamente encarnado por este. Al Coro Gaos no podremos achacarle su habitual quietud en el momento de cantar; esta vez era imposible moverse más.

La dirección de actores en protagonistas y comprimarios fue, todo lo consabida y plana a lo que por desgracia perecen querer acostumbrarnos algunos “registas”; mejor en movimiento que en expresividad facial o corporal, aspecto en el que, como viene siendo habitual, semejó dejado a la habilidad o ideas propias de cada cantante.

La Orquesta Sinfónica de Galicia fue cimiento de toda la obra, con un sonido compacto y bien empastado en secciones y tutti y las habituales grandes  intervenciones solistas, rayanas en la excelencia las de maderas: flauta, oboe y clarinete dieron fe de la altísima calidad acumulada en sus atriles.

Pérez-Sierra tuvo dificultades para controlar su potencia sonora en los forte -o su criterio inlkuía estos excesos dinámicos- llegando a tapar en más de un momento la voz de los cantantes solistas. A cambio nos brindó momentos de gran emoción en los pasajes más íntimos de esta Bohème en la que las huestes de Euterpe volaron por encima de las de Melpómene.

 

Orquesta Sinfónica de Galicia (foto de archivo, cedida por la OSG)

Cantantes cantando.  

La gran protagonista de la noche fue sin duda -y así lo reconoció el público en los aplausos finales- Miren Urbieta-Vega. Su Mimí recorre con impecable expresión, -tanto dramática como lírica- el difícil camino de la piccina y tímida bordadora vecina de los bohemios al lecho mortuorio, finalmente abatida por la maldita tisis.

Celso Albelo, a quien tanto se admira y quiere en esta ciudad, ha dado el paso de abandonar el arroyo del bel canto para dejarse llevar por la potente corriente del repertorio lírico puro. En ello ha ganado quizás solidez interpretativa, pero se ha dejado en la gatera del cambio -junto a unos cuantos kilos- bastantes pelos de potencia sonora y del color y brillo que lo caracterizaban. Su interpretación dio el personaje de menos a más, finalizando brillantemente con su desesperación por la muerte de Mimí.

Escena ante el Momus, acto II. (Foto Alfonso Rego)

Los tres barítonos-bohemios dieron correctamente sus papeles, destacando el sentimiento de Orfila en su Vecchia zimarra y su conocida y siempre apreciada solidez a lo largo de toda su interpretación, libre del molesto vibrato de algunos de sus compañeros. La Musetta de Helena Abad tuvo bastante de la picardía que requiere el personaje, aunque le faltó algo de “chicha” en los registros medio y grave y de potencia para hacerse oír en los concertantes. Ojo también a sus apoyos algo más traseros de lo que sería de desear. Los comprimarios cumplieron muy dignamente sus papeles.

Como decía arriba, es esta una crónica un tanto informal; no por criterio, que ese se mantiene firme, cuanto por el tono familiar y relajado con el que ha sido escrita. En cualquier caso, la crítica de ópera requiere cierta extensión por sus aspectos teatrales y musicales y un cierto esfuerzo por parte de quien la escribe. Y de quien la lee, me temo; gracias por llegar hasta aquí.